Match Point ou Xeque-Mate?

Muitos resenhistas têm considerado Match Point a ressureição de Woody Allen. Não sou da turma que tinha enterrado Allen. Consigo encontrar pontos de interesse até em seus filmes mais problemáticos, como Dirigindo no Escuro, e só não tive uma relação muito paciente com Melinda, Melinda, que, embora tenha a aprovação dos amigos Claudio Zinkier e Inácio Araújo, causou em mim a sensação de um desleixo com todo o processo de realização. Tenho essa mesma impressão em Match Point, embora outro amigo, agora Paulo Santos Lima, propague a habilidade da mise en scéne. Tive impressão contrária. Match Point parace um filme dirigido à distância, pelo telefone ou pelo rádio.

É mais ou menos recorrente a afirmação de que Allen não é extamente um amigo íntimo da mise en scéne. Seria, sobretudo, roteirista. Faz filmes de palavras e de atores, sem preocupação com a imagem, com o posicionamento da câmera, com a composição da cena, com a localização dos objetos e dos corpos em quadro. Concordo apenas em parte com isso. Em algumas comédias, nas quais a gag física sobrepõe-se ao humor verbal, a mise en scéne é fundamental. Allen é hábil em narrar piadas com imagens e com os corpos (o seu, principalmente). Há momentos de Trapaceiros, por exemplo, para mencionar um filme que aprecio bastante entre os recentes, que são extraordinários. Um deles: o plano do porão inundado por canos quebrados.

O problema é quando palavras e acontecimentos são valorizados em detrimento do investimento estético em situações capazes de sobreviver por si mesmas e não apenas como parte de uma engrenagem empenhada em estabelecer conflitos e narrar sucessão de eventos. Match Point está nesse caso. Existe lá um tenista que inicia atividade como professor (de tênis, claro). O cara é irlandês, de origem humilde, e, em sua carreira nas quadras, quase foi o bamba da raquete. Deu azar e o azar, como sabemos desde as primeiras palavras desse protagonista-narrador, é uma questão do filme. Essa narração fala sobre a incapacidade de qualquer homem ter controle total sobre acontecimentos que possam ser geradores de transformações radicais na vida (positivas ou não). O tenista parece estar disposto a manter seus passos sob controle quando larga as quadras de competição pelas de um clube de grãfinos.

Ele começa a namorar uma ricaça, irmã de um de seus alunos e filha de um empresário, que, por sua vez, irá se tornar seu patrão. Ahan!. No meio da ascenção social, porque é disso que o filme trata (um percurso de ascenção social a qualquer preço moral), ele encontra outra intrusa, uma atriz americana, noiva de seu futuro cunhado, que, aparentemente, pela maneira com que é filmada e interpretada (por Scarlet Johansson), também é uma alpinista social.

O filme tratará basicamente de como essa moça será ao mesmo tempo um imã sexual e uma pedra no caminho ascendete do ex-tenista. Sexo do bom ou vida confortável, com salário polpudo, poder e um belo apartamento de bacana? Essa é a indagação moral colocada para o personagem

Essa indagação não tem nenhum sentido se:

1) O espectador ver desde sempre no protagonista um alpinista social frio e calculista, que manifesta, em razão da circunstância colocada pelo roteiro, uma patologia associada à sua aceitação entre os ricos. Se ele é visto quase como um psicopata, como eu vi (em boa parte por conta ou por culpa do ator), seu drama está minado. Como estar próximo dele, como o filme nos quer colocar, se o vejo à distância, quase como caso clínico-social? Torna-se, então, filme-laboratório, com personagem-ratinho, opção essa que, por uma série de razões a serem explicitadas dia desses, me colocam vários problemas

2) O espectador não acreditar no desejo intenso do protagonista pela amante, tampouco em sua suposta dúvida se abandonará ou não a esposa. Eu jamais pensei nessa possbilidade vendo o filme. E jamais acreditei no tesão dele por ela. As situações sexuais, se queriam demonstrar a voltagem desse desejo, fizeram o contrário: me evidenciam como esse desejo é fake, só existia no roteiro e não foi encarnado pelos atores.

Ou seja, em parte, em grande parte, minha resistência é com os intérpretes do casal de amantes, que, engano à parte, estão soltos, frouxos, sem caminhos, como se tivessem sido largados no set, sem orientação, e acabam reduzidos a estereótipos, a olhares e expressões afetadas, sem verdade.

Essa frouxidão parece estar contaminando, também, a organização das cenas, dos corpos e da câmera nos espaços. Há uma série de panorâmicas no filme, algumas circulares (lentas e pesadas em seu movimento), que parecem querer agilizar o relato (embora o relato, apesar de cheio de barrigas, seja quase apressado, de modo a chegar no crime, como se nada, antes do crime, tivesse alguma importância). A questão é que essa câmera, na maioria das vezes, apenas se movimenta, sem muita validade e efeito, e esse movimento, como disse, não é em si mesmo um flanar do instrumento, um ganho estético, mas um artifício burocrático.

Esse talvez seja um dos filmes mais esquemáticos de Woody Allen. Não há frescor, imprevisibilidade, tudo parece já resolvido, determinado demais e, ao mesmo tempo, para um filme esquemático, tudo parece frouxo demais no burocratismo. Paradoxal, sei, mas assim vi.

Volto ao filme em breve porque há outros traços dele que eu acredito serem interessantes de se abordar